工艺美术的概念(6篇)

工艺美术的概念篇1

内容提要:“美术”这一学科名称,在中国已存在和使用了100年.做为一个专门学科,无论是正式的书面表达还是口头表达,在中国都明确指向视觉艺术或造型艺术,体包括:绘画、雕塑、建筑和工艺四大门类.这已经是家喻户晓和熟练使用的词语和概念。

做为一门学科,“美术”这一名称不论是学术研究机构和专业团体,还是艺术教育及普及、出版传播和商业等领域,在冠名的使用上都已成为不可替代的学科名称。但由于“美术”和“艺术”做为一百年前从西方输入的外来语它们都源于同一英文单词“art”,在正式的书面表达和对艺术文献原文的翻译上存在着普遍混乱现象,而在西方及世界许多国家的辞典解释和实际运用中,“art”从来就没有象中国一样把它明确指向表示“视觉艺术”或“造型艺术”的概念范畴。从语言学和词源学的角度来看,显然是不严谨、不科学的。尽管在具体的语境中使用我们并不在乎它的含混性,也从未出现过大的歧义,但问题在于中国的视觉艺术所面临的艺术发展状况和现实与100年前已发生了翻天覆地的变化,在全球经济文化一体化和信息社会迅猛发展的大背景下,中国当代视觉艺术和艺术教育都面临着前所未有的挑战。

加之“美术”本论文由整理提供与正处于困惑中的“美学”有着千丝万缕的联系,“美术”做为一个专门学科名称不论从具体使用的科学性,准确性及应用性上显然已无法承载它所涵概的范围和当代艺术的发展状况。

因此,有必要对“美术”这一学科概念及它的使用进行一次全面、彻底的疏理,使它从中国100年对艺术的误读与偏离中解脱出来,踏上科学和健康的发展轨道,这已经是当代中国艺术和艺术教育所面临的紧要问题。

一

“美术”一词来源于英文“art”,再往上溯,英文“art”又是来源于拉丁语的“ars”。当代出版的由牛津大学和商务出版社主编的《牛津现代高级英汉辞典》(1987年版)是这样对“art”进行解释的:①美的事物的创造和表现;艺术,如文艺复兴时期的艺术、儿童艺术、风景画艺术等。②thefinearts;美术,包括绘画、雕刻、建筑、音乐、舞蹈等。③想象力及个人鉴赏比精确计算更为重要的事情;人文学科,如历史文学、教学演说等。④诡计、诈术、巧计、策术、魔术、妖术。从《牛津现代高级英汉辞典》的解释中,显然未将“art”指向今天我们所理解的视觉艺术或造型艺术,而“thefinearts”(美术)则包括了绘画、雕刻、建筑、音乐、舞蹈等各个艺术门类。而英国的《大不列颠百科全书》对“art”这一条目又是这样解释的:“用技术和想象力创造可与他人共享的审美对象、环境或经验。艺术一词亦可专指习惯以所使用的媒介或产品的形式来分类的各种表现方式中的一种,因此,我们对绘画、雕刻、电影、舞蹈及其它的许多审美表达方式皆称为艺术。”

“艺术亦可进一步特指一种对象、环境或经验作为审美表达的实例。例如我们可以说“这张画或壁毯是艺术”。传统上,艺术分成美术(thefinearts)本论文由整理提供与语言艺术两部分。美术(thefinearts)一词译自法语“beaux-arts”,偏重

纯审美的目的,简单说即偏重于美。“从西方对“art”的词语解释来看,将“art”做“美术”(thefineart)解,是一个涵概面很广的形容词性质的词语,即:美的艺术。而未指向包括:绘画、雕塑、建筑及工艺四大门类的视觉艺术或造型艺术。

二

一个不容忽视的事实,不论是“美术”还是“艺术”,这两个专门名词实际上都是从国外引进的外来语。直到中国清未洋务派运动对西方工业文明开始引进,中华文明几千年的历史,不论是书面表达还是口头表达上都从未出现过类似英文“art”(艺术)或“thefineart”(美术)的概念表述和中文字样。中国古籍中也只有“绘缋之事”、“刻削之道”、“锦绣文采”等类似术语的运用。中国古籍中“艺”的概念与西方的“art”(艺术)在传统的狭义表述上有共通之处,那也只限于“艺术”这一概念的技术层面,与我们今天理解的“艺术”或“美术”没有直接的关联,如古籍中,“??”等于“??”,意为种植之技。《说文解字》中说:“周时六??,盖亦作??,儒者之于礼、乐、射、御、书、数,犹农者之树??也”。中国古籍中的“??”又等于“术”(?g),引伸为技术、技艺,这和西方“art”源于拉丁语的“ars”,泛指作学问和专司具有文化涵意的手艺工作很相近,此“艺术”表示一种可学的而非本能的技巧和特殊才能。实际上在古代的西方,象木工、外科医生、烹饪术、建筑术均包含在艺术中,艺术的全部形式大约有400余种。[1]这种对艺术的理解持续了相当长时间。

古希腊时期,尽管创造了许多杰出的艺术品,但当时人们并不是用今天我们看待艺术的眼光看待它们,而是将其当作一种高超的技巧的结果。中世纪时期,艺术有两种含义,一种以是文科艺术,包括:修辞、逻辑、格律和语法;一种是高级艺术,指算术、几何、音乐和天文四大学科。这其中一些,在当时被称为自由学科。然而,所谓自由学科并未包括绘画、雕刻、和建筑,很象中国古代周时的“六艺”学说。文艺复学时期,艺术是一种高超技巧的观念又得以重新恢复,但是艺术家当时仍是被视为工匠。虽然达?芬奇等具有广泛人文知识的全才式艺术家大量涌现,绘画、雕塑和建筑等造型艺术的地位得到了提高,但由于在他们的实际创造行为中,艺术研究与科学研究很难分开操作,并且又都是按着契约者的表现要求和完成期限来工作,因此仍未具备我们今天所理解的“艺术”或“美术”做为一门感性创造学科的特质。 

直到17世纪,艺术这一术语才有了我们今天所理解的含义,即“美学”上的意义。18世纪,法国着名的启蒙学者狄德罗主编的百科全书中,艺术就包括了绘画、雕塑、建筑、诗歌和音乐,后来则进一步形成了优美的艺术(thefinearts)和实用艺术(appliedarts)的区别,而所谓“优美的艺术”并不单纯以技巧和实用功利为其特色,而是一种精神意义的“美”的艺术。这种观念在西方一直延续至今。

不论从今天辞典的释义还是从东西方艺术历史的发展史实来看,不管艺术是局限于技术的层面,还是纯精神意义上的“美”艺术。西方先哲们难道是出于疏忽还是有意让后人为难,竟从来没有从空间、感性和媒介等特质上对艺术的种类进行说明和分类,或者确立一个叫做“美术”的学科概念。这也真叫中国人难免陷入困惑之中。

实际上,在西方及世界各国通行的做法是把我们今天所理解的“美术”叫做视觉艺术。从书面文献的表达和口头表达,从学术研究机构到学术团体再到艺术教育,“art”始终是一个涵概诸艺术门类的总称(这里包括纯精神性的“美术”(thefineart)本论文由整理提供也包括实用艺术及各类艺术的变体,从来没有一个类似于我们指称为视觉艺术的“美术”这样一个名称概念。在这一点上,世界各国只有中国把“art”即做“艺术”解,又做“美术”解,并应用于不同的学科范围来使用。那么中国人为什么置本来属于西方的学科概念在定义和使用上的事实与不顾?而在概念的运用上把艺术划定为涵概各艺术门类的一级学科,把“美术”划定为包括绘画、雕塑、建筑、工艺等视觉艺术的二级学科?这有其深刻而客观的历史原因。

三

工艺美术的概念篇2

【关键词】人居环境设计；环境艺术设计；学科异同

0.前言

国内在很长一段时间，指导建设方针是：经济、实用、在有条件的情况下注意美观。这也是建筑教育所遵循的方针。然而随着时代的发展和人们物质生活水平的不断提高，人们开始不满足仅仅是经济和实用的要求。这时美学从工程学科的附属物中逐渐的脱离，成为影响人们生活质量的必不可少的重要元素。艺术学作为美学的重要分支在此发挥着重要的作用，在这种社会发展的背景下环境艺术设计和人居环境设计也就呼之欲出。

1.环境艺术设计和人居环境学科的由来与发展

1.1环境艺术设计学科的由来与发展

在谈到环境艺术设计学科的由来有两位重要的人物不得不提；张绮曼和郑曙旸。张绮曼被誉为中国环境艺术设计的领军人物，她是我国室内设计专业公派出国留学日本第一人。而郑曙旸则是清华大学美术学院副院长。他认为中国的环境艺术设计概念的提出与日本环境艺术不无关系。

回顾环境艺术设计发展的历史，从最初的室内装饰到建筑装饰，再由室内设计到环境艺术，以至于环境艺术设计这个称呼的传开，经历了不断扩展的过程。但环境艺术设计这个称呼争议是很大的，直至现在也没有完整的理论体系。如果说环境艺术概念的提出是向更大更广的方向发展，可为什么在一步步扩大发展的过程中“设计”却没有多少呢？直到现在许多的环艺毕业生仍然是做“装饰”而多过于设计。

1.2人居环境设计大学科的由来与发展

提出人居环境这个学科群的概念的人是中国设计界有着举足轻重地位的人物：吴良镛院士。人居环境学科的由来，从100年前城市规划学的先驱酝酿“田园城市理论”与“区域观念”起,1987年2月在“建筑学的未来”会议上，吴良镛院士正式提出“广义建筑学”。然而伴随着认识的深入，吴良镛院士逐渐理解到不能仅囿于一个学科而应从学科群的角度整体探讨学科发展，因此提出了“人居环境”这个众多学科的“学科群”的概念。2001年，发表《人居环境科学导论》，提出以建筑、园林、城市规划为核心学科，把人类聚居作为一个整体，从社会、经济、工程技术等多个方面，较为全面、系统、综合地加以研究，集中体现整体、统筹的思想。

通过上述人居环境从提出到发展的过程可以明显的看出。人居环境设计或说是人居环境这个概念来源与城市规划的领域，经过不断扩展和完善变成了一个学科群或是大学科的概念，它主要解决的是与人类居住环境有关的一切工程设计包括，建筑、规划、园林。

2.环境艺术设计和人居环境设计学科的概念和内涵

根据上述两个学科的起源和新时代赋予的契机，我们分别引用两个学科的学术领头人郑曙旸教授和吴良镛院士，对环境艺术设计学科和人居环境大学科分别做出的学科概念和内涵。

2.1环境艺术设计学科的概念

郑曙旸清教授认为环境艺术设计的概念从广义上来说，是扩展到整个的一种设计和艺术领域的创作的理念。从狭义上来说，环境艺术设计是运用艺术手段，根据建筑提供的内部空间和外部空间的一种特性，来进行空间组织。也就把景观设计和室内设计都涵盖在环境艺术设计当中。其内涵可表述为在空间限定和时间序列下用艺术手段去处理静态实体和动态虚形的关系。因此，它从两个方面考虑，一个就是它的空间的限定。第二个层次就是时间序列的概念。

2.2人居环境设计学科的概念

吴良镛院士提出人居环境科学的概念广义上来说，是一门以包括乡村、集镇、城市等在内的所有人类聚居为研究对象的科学。人居环境科学从狭义上说以建筑、园林、城市规划为核心学科，把人类聚居作为一个整体，从社会、经济、工程技术等多个方面，较为全面、系统、综合地加以研究，集中体现整体、统筹的思想。发展人居环境科学。学科的目的是要了解掌握人类聚居发生发展的客观规律,从而能更好地建设符合于人类理想的聚居环境。

2.3两者概念的交集——园林

从上述两个学科的狭义概念可以得出一个有趣的结论，不论是环境艺术设计还是人居环境科学在狭义的概念上包含了园林。环境艺术设计是室内+园林的双重组合，人居环境科学则是建筑+规划+园林三位一体的组合。如果单纯从各自学科的角度出发这种分法都有各自的道理。

3.环境艺术设计与人居环境设计的异同

2011年8月下旬，国务院学位委员会、教育部公布了新的《学位授予和人才培养学科目录(2011年)》。在文学门类下“蛰伏”多年的艺术学独立门户，升级为门类，即第13大类学科。一级学科由89个增加到110个。城市规划和风景园林同时升为一级学科。在此我们选用：建筑、规划、园林、环艺四个专业的全国高校前五排名的数据入手去分析两者的异同。

环境艺术设计和人居环境设计的异同点:

人居环境设计类专业主要以建筑设计、景观规划设计、城市规划核心知识，强调客观地、科学地创造理想的人类生存空间，其用数学和其他自然科学的原理来设计有用物体的进程。主要关注的是功能、技术、经济方面，处理人与环境之间的关系。主要培养学生的理性思维，更注重实践应用。辅助以艺术课程训练、实践，但是占的比重较小，涉及范围较小，掌握最基本的表现方法。

环境艺术设计专业主要以图形形式设计、造型设计、装饰设计为核心知识，使其成为一种艺术手段，美化人类生存空间，其关注人类行为审美情趣以及美感。主要培养学生的感性思维，强调造型语言的表现。在清华同济类院校，环境艺术设计与建筑关系密切，课程设置偏向建筑设计等方向。但是与人居环境设计类专业划分较为明显，一般不同属一个学院一个系。在各大美院，环境艺术设计专业则侧重培养艺术性人才，同时辅助以各类设计基础，但是占的比重不亚于艺术课程。

4.结语

综上所述，环境艺术设计与环境设计学科所涉及的领域都十分广泛，都属于快速发展的学科。再通过对环境艺术设计与人居环境设计的异同点的分析，希望能给广大的有关环境设计的同仁以帮助。

【参考文献】

［1］代锋.从“环境”到“环境艺术设计”[J].艺术传媒.2009,(03):53-57.

［2］刘晓娜.环境艺术设计的多学科交叉特性研究[J].哈尔滨理工大学.2010:71-86.

［3］娄永琪.环境设计[M].北京高等教育出版社.2008,(09):8-10.

工艺美术的概念篇3

关键词：装饰艺术；图案；概念；节奏感；共性

千百年来，如同古典哲学在人文自然科学中的地位一样，装饰及其荷载体—图案在漫长的手工艺美术时代始终处于主宰的核心的地位。图案涵盖了从器物造型，纹饰制色彩的各方面，是实现手工艺美术终极目的——审美装饰的必要的手段和形式，从而形成了手工艺=装饰=图案的审美定式，它不仅支配着那个时期人们的工艺活动，而且深深植根于人们的审美观念之中，影响至今。然而，装饰艺术=图案吗？不妨从以下几个方面加以探析：

一席勒称艺术为“情感艺术”装饰艺术为“朴素艺术”。英国著名艺术理论家里德认为：图式艺术发现了造型艺术的法则和形式，美的原则

装饰艺术是概念化的情感，是共性的。所谓共性，就是指包含了一个层次的每个成员的共同具有的属性。除去其载体表面的功利目的外，装饰艺术是以一种稳定的运动关系和有秩序的形式组合，来平衡生活的情感，将这种情感凝聚、升华、超越现实生活的功利目的，就如现代人都喜欢把喜欢的装饰品放在家中适当的位置，它能消除您的烦恼，让您快乐。装饰艺术的视觉形式因受概念化情感的制约，常被定义为几何风格或抽象风格，这是因为“原发逻辑和原始思维常把思维中的抽象形态的内容具体地显示出来。”概念化情感是有机体生命的造型法则，而非纯自然形态的单纯摹仿。因为有机体的造型法则是有节奏和规律性的，节奏感是人类共知的一种，形式上有规律的重复，相关，分批的处理是早期装饰艺术的特征，所以“艺术并不原始于自然主义的创造物，而是开始于具有抽象装饰的创造物，从而指向了线形无机体？”

二图案并非一种独立的艺术形式，它不是美术物一个门类，而是为工艺美术乃至建筑、环境等所作的图样和方案，是一种艺术的预想和意匠图

可以说，世上千千万万的物品，五光十色的装饰，幽雅宜人的环境，都是先作图案设计，而后依据图案的构想而制做和施工完成的。一个国家的生产力水平越高，人民的物质和精神生活越丰富，图案便越是受到重视，就其主流来廛，图案和工业生产是相应发展的。图案构成的以动物、植物、人物形象、风景或其他美的形象，进行的几何构成。以均匀的相互交替的节奏、秩序等各部分互相协调配置的形式出现的。它自由而多样，变化丰富，它不受时间、地点和透视、比例等限制，按照装饰的想像和实用的需要，符合形式美的要求作结构处理，无论是植物纹、动物纹、人物纹、还是几何纹，都是在统一与变化、对比与调和、均衡与对称等形式美的法则规律，在强烈的节奏感和韵律感下去满足人类精神的寄托与期望。具体规纳有如下几种形式：单独式构图、适合式构图、连续式构图、边饰图案。图案的构成形式又别于其它艺术，绘画作品往往只固定在一定的角度欣赏，譬如挂在墙上的画，不能倒过来看，而工艺美术品的台布铺在桌子四面都能看，圆桌子要求圆的构图，方桌子则要求方的构图，这些构成的形式，如艺术上的不同处理手法，都是由于生活的需要，为实用功能所决定。图案源于生活，又服务于生产与生活。图案的艺术精巧是人们根据生活需要和艺术上的追求，在长期的生产实践中形成并在新的技术条件下不断地创造和发展。

三装饰艺术常被误解为图案或纹饰，这主要否认了两者在作用上的差异

比如，现在市面上的壁挂、服饰、包饰等装饰物上，有着各种不同的图案，这些图案给装饰品以灵魂，以“生命”。如传统图案人面鱼绞在装饰壁挂中的应用，使得壁挂有了文化的底蕴和历史的厚重，有了审美价值，也就了了“生命”的意义。装饰艺术与图案除了两者在作用上的差异，在特性问题上也有差异。就是有人以为凡是装饰性的东西都不必要社会内容。我认为，艺术是与社会共进的，政治上的不稳定，同样影响艺术上的发展。所以古今中外，不同时期的装饰艺术反映了不同的社会形态。譬如半坡的人面鱼纹面盆，它所反应的社会内容是与敦煌壁画上所反映的是不同的，所有的装饰艺术具有社会性、思想性、又有艺术性、装饰的效果。既然图案是装饰艺术构成形式的最小单元。那么很容易明白，装饰=图案的结论，似乎太武断了一点。我认为图案属于装饰艺术，是局部与整体的关系，所以，装饰艺术与图案之间更多的是相同点如在情感的复述上，它们都不像纯艺术那样在审美过程中，重要的是对艺术的生命力的把握和经验的重构，这是必须动用自己的经验，进行分析，整理，这一复杂的情感输出的心理过程是在精神的高度集中和情感的亢奋中进行的，而不是要求观者在审美过程中集中精神，全神贯注，而是充一种恬静的心情之下完成的，那种感觉是愉悦的，就好像你的面前是静静流淌的河，河边有五颜六色的野花，还有吃草的牛……。

至此，我们似乎可以说：图案属于装饰艺术，那么一个装饰设计者应该从传统的图案中获取更多的养分，来满足现在人类日益膨胀的情感要求。同时也应该明确，我们面临的任务是将一个物体的功能和外在形象结合到水融的程度，以满足人们的生活、心理到审美文化情趣的各种要求。也许，我们将会越过把居室仅造成住人的地方，椅子仅做成人的支撑物，而实现把人们的生活栖息之所建构成一个梦幻之乡的意愿。

参考文献

[1]《装饰》工艺美术季刊总第三十七期.

[2]《当代美术》68页（美）李普曼.

[3]《创造与秘密》“概念的认识”一书.

[4]《抽象与移情》56页、72页.

工艺美术的概念篇4

一、科技的概念内涵

“科学”这一概念是1893年由康有为从外国引进并开始使用的。在西方，“科学”一词渊源于拉丁文Scientia，是“了解、知识和学问”的意思。12世纪初期，宇宙论学者威廉士最早给科学定义为：科学是以物质为基础的知识。提出了科学是知识的思想。1888年，著名生物学家达尔文根据自己的科研体会认为：“科学就是整理事实，以便从中得出普遍的规律或结论。”这一观点在今天仍起到指导意义。马克思、恩格斯在《神圣家族》一文中指出：“科学是实验的科学，科学就是在于用理性方法去整理感性材料，归纳、分析、比较、观察和实验就是用理性方法的主要条件。”这是对科学研究的性质、方法的说明。《现代汉语词典》中对科学的解释：科学是反映自然社会、思维等的客观规律的分科的知识体系。《辞海》进一步解释了科学的含义，即关于自然、社会和思维的知识体系。除上述之外，关于“现代科学”的概念内涵我们可以从4个方面理解：①现代科学是关于自然社会的系统化、理论化、规范化的知识体系;②现代科学是知识再生产活动;③现代科学是一种新的产业;④现代科学是高层次的社会事业。

“技术”的概念，在西方的原意是“熟练”。古希腊时期，亚里士多德曾把技术看做是制作的智慧。17世纪英国的培根提出应把技术作为操作性学问来研究。18世纪末法国著名科学家狄德罗根据当时的情况指出：技术是“为了某一目的而共同协作完成的各种工具和规则的体系”。这是较早给技术下的定义，至今仍有一定的影响。《现代汉语词典》对技术的解释：技术是人类在利用自然和改造自然的过程中积累起来并在生产劳动中体现出来的经验和知识，也泛指其他操作方面的技巧。《辞海》中的释：技术是泛指根据生产实践经验和自然科学原理而发展成的各种工艺操作方法与技能。而关于现代技术，我们可以从以下四个方面进行理解：①现代技术是在科学实践的基础上发展起来的;②现代技术注重“软硬结合”;③现代技术是一种方法和技能体系;④现代技术是科学理论的应用。

随着人类社会的进步，现代科学和技术的关系日益密切。一方面，科学为技术提供理论基础，促进技术的发展;另一方面，技术的进步反过来为科学提供必要的手段，将科学提出的可能变为现实。然而，二者毕竟有所区别。学界既反对将二者决然分开的观点，又反对将其等同的观点，因为二者的功能和目的不同。科学侧重回答“是什么”“为什么”“能不能”的问题，意在揭示客观规律。技术侧重回答“做什么”“怎样做”“做出来有什么用”等问题，目的是形成改造客观世界的手段。科学是一种自由探索活动，一般难以规定其完成的期限;技术则有明确的实用目标，一般要规定完成的具体时间。科学的成果主要表现为知识形态，技术的成果则表现为某种物质形态(物质财富)。科学的社会价值除重大科学发现可以引发某种技术革命外，一般来讲具有不确定性和长期性等特点，技术的社会价值则与其相反，可以取得直接的、确定的社会经济效益。再者，管理的方式、方法和评价尺度不同。科学研究的管理较为宽松、评价尺度是“深”和“理论性强”;技术的管理则有严格规定，评价的尺度是“新颖”和“实用”。

但是在教育中，科学与技术是联系在一起的。20世纪80年代后期，教育专家开发了科学与技术相融合的教学材料，强调科学技术教学与社会的联系，突出情境教学，把科学的概念与熟悉的情境相结合，以增强学生对科学的理解。1998年，英格兰及威尔士了一份报告，重新强调科学与技术相融合是提高学生兴趣、加深概念理解的重要手段。因此，当前的科技教育是科学技术素养教育。它从最初的精英价值导向转向科学为大众服务的价值取向，从培养科学家转向到培养具有科学技术素养的现代公民，为促进国家经济发展以及公民的健康发展提供充分的支持。

二、艺术的概念内涵

当前学界把艺术概括为语言艺术(诗歌、散文、小说、剧本)、造型艺术(绘画、摄影、书法、雕塑、建筑、工艺等)、表演艺术(音乐、舞蹈、曲艺、杂技等)和综合艺术(戏剧、电影、电视剧等)。

“艺术”一词，汉语中最早出于《后汉书·伏湛传》，它泛指各种技术才能。在先秦的文献里，对应于“艺术”的是一个“艺”字，它的含义之一就是指才能、技术。古希腊人把凡是可凭专门知识来学会的工作都称为“艺术”。音乐、雕刻、诗歌、骑射、烹调、手工业、农业、医药之类，都属于艺术范畴。不仅古希腊人这样理解，“艺术”一词在拉丁语、法语、英语、德语、捷克语中也都具有同样的含义。

在古希腊时代，希腊语中的techne，指的就是我们今天统称的科学与技艺。比如西方医学之父希波克拉底的名言：“生命短暂，艺术长存。”他的艺术是指医术。到了歌德(1749—1832)时代，艺术又指诗歌。这说明了从古希腊到歌德时代，其间1800多年艺术的所指是不断变化的。古典后期的卡佩拉(MartianusCapella)给自由艺术作了明确的分类，即语法、修辞、雄辩术、算术、几何、天文、音乐，这便是后世所称的“自由七艺”的较早的分类。圣维克托隐修院的于格(HugoofSt.Victor)为了与“自由七艺”相对应，提出了“技工七艺”，分别是编织、装备、商贸、农业、狩猎、医学、演剧。

在这些分类中，“诗”按惯例归入“自由七艺”中的语法、修辞和逻辑里。建筑、绘画与雕塑又都归入“技工七艺”里的“装备”中。从这种分类来看，文学、诗学以及美的艺术都是分散在不同的学科、工艺和其他不同性质的人类行为之中。但这种分类却又影响了后世的思想，且作为一种相对稳定的学科模式延续了很长时间。

中世纪意大利哲学家和神学家托马斯·阿奎纳(ThomasAquinas)便接受了这种分类。在阿奎纳看来，制鞋、烹调、耍把戏、语法、算术同绘画、雕塑、诗歌、音乐一样，都可称作是艺术。

文艺复兴使各艺术的社会、文化地位产生了许多变化。其中的一个显著特点是，在意大利从契马布埃(Cimabue)和乔托(Giotto)开始，绘画及其他视觉艺术取得突出的成就，且在16世纪达到顶峰。人文主义者要求提高视觉艺术社会和文化的地位，以至欧洲其他国家出现重要的新发展，这就使三门视觉艺术——绘画、雕塑与建筑，首次明确地脱离了与工艺的联系。诗与画的平行比较常常导致要求画高于诗。这类争论中最重要的文本是莱奥纳尔多的《比较论》。莱奥纳尔多在这一著作里声称绘画高于诗歌、音乐和建筑;诗是瞎子画，画是聋子诗，二者选其一，谁都不愿做瞎子。而从某种意义上讲，莱奥纳尔多的这种比较又是从文艺复兴以来传给我们关于美的艺术的最完整的体系。

17世纪随着不同艺术的发展，自然科学也开始兴起。法国和英国的学者为将艺术与科学区别开来，首次认为关涉天才和趣味的学科就是艺术。

18世纪下半叶，迪博神父将“诗是美的艺术之一种”的观点普及开来，同时也清晰地将依靠天才的艺术与依靠累积知识的科学区别开来。另一位神父巴托，他于1746年出版了著名的、极有影响力的著作《相同原则下的美的艺术》，第一次写专论确立美的艺术体系，即音乐、诗歌、绘画、雕塑、舞蹈。随之，“美的艺术”以新的词义进入了法语辞典。法国大革命之后，这个新奇的术语更是有了法定的地位，因为法国政府在1795年将几个老的学院合并为美术学院。学院学术范围包括语法、古典语言诗歌、文物与纪念碑、绘画、雕塑、建筑、音乐、朗诵。此外，在德国得到进一步发展的美学开始影响法国哲学和文学。第二版的《百科全书》于1781年在瑞士出版，由德国美学家、哲学家苏尔泽(J.G.Sulzer)增写了论美学的文章，并在原有的“艺术”一文里加进了“美的艺术”一节。

19世纪早期，法国哲学家库辛(VietorCousin)追随康德(Kant)和18世纪苏格兰的思想家们，通过在柏拉图和新柏拉图主义者普罗克洛斯(Proclus)的著作里搜寻，最终将自己的哲学体系建立在“真、善、美”三个概念上，并认为只有通过美，才能理解艺术和美学的王国。对于现代价值观“真、善、美”的确立以及在哲学体系里强调美学的位置，库辛的影响甚为深远。

马克思主义哲学的“真、善、美”，可以从主客体相统一的角度来加以阐释。“真”，是主客体相互作用并构成价值关系时，所产生的价值的意义。“善”，是在人从事实践活动中的价值体现，它以能否满足主体的需要为衡量标准和尺度。“美”，是从绝对的主体角度出发，透过主体积极地去体验和创造美感，发现客体中和谐的部分，从而达到主客体的高度统一目标。由此而知，“真、善、美”这三种状态和境界，都是主客体相统一的情形，只不过在层次上和侧重点上有所差别;三者统一的状态和境界是逐级上升的——“真”，是最基本的统一，是主客体简单的一致、等同;“善”，是强调客体应满足主体需要的各种价值，为主体服务;“美”，则是主客体高度的统一，是主体自由的必然性的实现——是从简单的主客体统一到高度的统一，而这其间的差别足以显现出人类历史不断走向前进的历程和方向。

“艺术教育对于立德树人具有独特而重要的作用。学校艺术教育是实施美育的最主要的途径和内容。艺术教育能培养学生感受美、表现美、鉴赏美、创造美的能力，引领学生树立正确的审美观念，陶冶高尚的道德情操，培养深厚的民族情感，激发想象力和创新意识，促进学生的全面发展和健康成长。”

所以说，艺术教育是有超越性、价值导向性的实践活动，它能促进个人思想品德和社会意识形态同质发展，从而实现个人与社会良性互动。“真、善、美”思想具有鲜明的价值导向，具有巨大的意识形态导向功能，这正是与艺术教育实践活动相辅相成的，也是将现代艺术教育的科学诠释和正确发挥。

三、体育的概念内涵

体育起源于人类的原始活动，并伴随着人类的生产逐渐发展。古希腊时期的“体操”一词同现代意义上的体育含义十分类似，而“体育”一词最先是在1976年的法国报刊上出现的。

在中国古代，“六艺”(礼、乐、射、御、书、数)教育中的射、御则可以理解为“体育”。也就是说，我国在出现第一个奴隶制王朝(夏)时就有了“体育”的起源之据。但是体育活动几乎都从属于社会其他活动，各种体育活动之间缺乏内在的社会联系，因而没有形成一个相对独立的有机统一体或理论与方法的体系;没有出现一个可以概括所有体育活动的概念或术语。

近代洋务运动后期，“体操”传入中国并开始使用，它实际上是体育的代名词。清朝统治者实施“体操”以培养“军国民”，但在实施过程中却忽视了青少年的身体健康。戊戌变法以后，“体育”一词从日本引进，其使用频率逐渐增多，在五四运动以后得到官方确认。但许多学者对“体育”这个概念的表述多不一致，而且不够准确，带有片面性，把“体育”与“运动”等同起来。另外，在一些翻译作品中，体育概念也往往含糊不清，从而进一步造成了“体育”概念的混乱。

《美国百科全书》对“体育”一词的论述为：“体育”指关于人体构造、身体发展的教育，包括人体生理机能、力学原理及其有效运用的研究。这一教育过程，当儿童学会基本的有助于身体发展的运动方式后就开始，并在儿童后期掌握复杂一些的运动方法的过程中持续进行。体育过程的最后阶段是要培养良好的健身习惯，以帮助制订一种最适宜的身体运动标准。这种最适宜的身体运动标准能够保持良好的体质并使人终身受益。

马克思在《资本论》中关于共产主义教育问题的论述中说：“这种教育对一切已满一定年龄的儿童来说，都是生产劳动同智育和体育相结合，它不仅是增进社会生产的一个方法，并且是唯一生产一个全面发展的人的方法”。

中共中央在关于加强体育运动的指示中阐明：“体育是培养人民勇敢、坚毅、集体主义精神和向劳动人民进行共产主义教育的重要手段之一。”

所以，我们对体育这一内涵的理解应该是：以增强体质和丰富文化生活为目的的社会文化教育的组成部分。社会主义体育通过各种体育活动和体育教学、训练、比赛以及体育观赏等发挥在培养共产主义思想方面的精神文明建设的作用。

工艺美术的概念篇5

关健词：生活陶艺；现代陶艺；传统陶艺

1生活陶艺概念的来源

现代意义上的“生活陶艺”是在我国70年代以后才开始出现的，它是民艺运动的结果，由传统陶艺发展而来，伴随着现代陶艺的发展而产生的。目前，我国对于“生活陶艺”这一概念的理解尚未形成确切的、统一的看法，普遍认为是通过手工制作的日用陶瓷器皿，同时也有人提出不仅包括器皿，还应包括居室内所使用的、与人们日常生活相关的陶瓷装饰品或实用器物。因此，我们可以把生活陶艺概括为用于美化人们生活同时具有一定使用价值的陶瓷艺术品。

实际上，在我国的传统制瓷业中，生活陶艺一直是默默存在的，只是这一概念的提出则是在“陶艺”一词出现之后。所以我们在研究生活陶艺之前，必须要先弄清“陶艺”这一概念的来源。

在现有的陶瓷文献资料中，学术界普遍认为日本和美国是现代陶艺的发祥地。“陶艺”一词最初是否来源于日本还有待考证，但在日本辞书中的出现的确要早于我国，它的解释是陶瓷工艺、陶瓷艺术的省略语，是对陶瓷器物美术价值的评价。在日本，“陶艺”一词的正式出现是在1932年日本陶艺协会的成立。日本陶艺产生的时代背景是对近代工业陶瓷制品的反叛以及对传统手工艺的颂扬，强调陶瓷制品的民俗趣味和古典情趣，从而体现匠心和人性。在日本陶艺协会成立后不久即1948年，八木一夫创立了“走泥社”，并提出：“陶瓷从产生之日起就背负着一个制约。我们要从中解放出来，陶艺要象绘画与雕刻一样去创造，首先要忠实于自己的内心。”他的代表作《萨姆萨氏的散步》一直被视为冲破传统陶瓷枷锁束缚的经典之举，是现代陶艺在日本诞生的标志（如图1）。自此，日本陶艺出现了两极分化，一边是观念性的前卫陶艺，另一边是以实用为目的的传统陶艺。20世纪60年代以来，日本陶艺一直是以观念性的前卫形式和器物性的传统形式得到广泛传播。这里所说的器物性传统形式陶艺就可以视作生活陶艺。[1]

美国最初的“陶艺”这一概念与日本不甚相同，不仅包括器物类的，还包括雕塑类的，而器物类的又可细分为量产陶器和艺术陶器。所谓量产陶器是指通过手工批量生产的实用性陶瓷器皿。通常这一行业是以手工作坊的形式存在，作坊主本身精通于陶瓷手工艺，并雇用一些助手从事生产，以满足市场的需求。这类陶瓷作品的特点是造型和装饰简洁、成型方便、利于批量生产，销售主要是通过工艺品展销的方式，可以视为传统手工陶艺的一种延伸。艺术陶器则是指陶艺家以自己的主观意愿为主来进行创作的一种陶瓷艺术品，通常是不重复出现的。此类作品仍以日用器皿作为创作题材，但目的不是为了实用，更多是为了艺术性的纯欣赏。因此，大多数创作者所关心的问题并不是作品的实用价值，而是作品最终所呈现出来的视觉效果。

通过对日、美“陶艺”概念的提出和使用分析，我们可以得出这样的结论：陶艺一词其本身就含有生活陶艺的部分，只不过是在后来的概念细化中，出现了一些定语，才逐渐形成了诸如现代陶艺、传统陶艺、生活陶艺等类别。并且，生活陶艺包含于现代陶艺和传统陶艺概念之中。以上所谈到的一些传统陶艺或现代陶艺――兼具实用和欣赏的功能，是“美”与“用”、“艺术”和“生活”的交融，我们都可以将其归入生活陶艺的范畴。

2生活陶艺的内涵

生活陶艺在功能上属于日用陶瓷的范畴，与批量生产的机械陶瓷产品互为补充，两者兼具“赏”与“用”的特征，但生产方式有所不同，前者也更加注重个性的追求和审美的取向。从生活陶艺的发展历程上来看，它既可以是传统性的也可以是现代性的。当陶瓷艺术尚未从传统陶瓷生产中分离出来时，生活陶艺一直被掩埋在实用陶瓷的生产中，伴随着传统制瓷文化的传承而得以保留。自从现代陶瓷艺术从实用性陶瓷中分离出来之后，伴随着艺术家群体的加入，才赋予了生活陶艺新的生命。

与传统陶艺相比，现代生活陶艺在很多方面都已经有所变化或发生转移，主要表现在以下几个方面：第一，设计者和制作者的变化。传统陶艺的设计和制作者多为手工艺人或普通陶工，他们技术精湛，但思想过于保守。而现代生活陶艺的设计和制作者则多为一些陶艺家和陶爱好者，他们并不满足于技术层面的创作，在对待陶瓷材料的态度上更多的是发掘其自身的天然之美。第二，作品风格的变化。传统陶艺在设计和制作上一贯秉承无规矩不成方圆的宗旨，以继承传统为主，变化不大。而现代生活陶艺在设计和制作上更加自由，加入了艺术家的个性特征，使其呈现出多元化的发展趋势。第三，使用对象和使用方式的变化。“传统手工制瓷是以生产为主，以满足人们实用需要为目的而存在的；现代生活陶艺则不同，由于大工业时代的实用功能产品的创造由机械和工业设计所承担下来，现代生活陶艺成为机械制瓷的工业产品的补充。”因此，传统陶艺主要是作为日用生活器皿，所承担的是人们对物质生活的需求；而现代生活陶艺在具有实用性的同时，更多的是为了满足使用者在精神情感方面的需要。所以，“从某种意义上来说，生活陶艺只是文化人的消费，它体现的是一种文化现象”。[2～3]

3结语

伴随着工业化和信息化的到来，现代人日益被包裹在机械和网络的围城之中，理性束缚住了人的情感，使之得不到充分的释放，个性不能自由的发挥。现代生活陶艺突破了人们对理性审美的需求，其自然纯朴的艺术效果给使用者带来美的感受和心灵的慰藉，满足了人们精神上的审美需求，同时，也是对机械化批量生产的日用瓷风格上的一种补充。

参考文献

[1]郑宁.日本陶艺的文化特征[J].“东亚之光―中日韩工艺美术特质研究”国际论坛暨2008年中国工艺美术学会理论委员会年会，2012.

工艺美术的概念篇6

关键词：三维艺术设计；教学方法；教学培养体系

中图分类号：TP391.41-4文献标识码：A文章编号：1007-9599(2012)04-0000-02

作为高校教师艺术设计类教师，由于三维艺术设计教学需要丰富的想象力、独特的思维方式以及具体的实践性等，决定着其有特殊的地位，这在培养学生创造性思维及能力方而，是其他任何学科教学不可替代的，起着举足轻垂的作用.那么，如何在三维艺术设计教学中，有效的培养学生的创造性思维及能力呢?本文认为可以从以下几个方面入手考虑。

一、建立三维立体概念

三维既是在平面二维系中再加一个方向向量，由此构成一个空间体系，用这个三维坐标，可以把整个世界任意一点的位置确定下来。我们在教学中，往往存在以下问题：教师认为很简单的问题，但是对于学生来说，有可能就不太好理解。习惯了二维思维的学生对实际的三维形体或者图像感觉生疏，没有形成一定的概念。看过立体电影的人都知道，所谓三维，就是它不但可显示平面的画面，同时可以辨别远近、前后，使读者或者看者有一种身临其境的感觉。

二、针对不同学生使用不同方法

在高等院校中，三维艺术设计类的学生一般分有几个层次，教师可以根据他们的特点进行具体分析，并采用相应的教学策略。

（一）没有经过系统的美术教育的学生

对于以前没有经过系统的美术教育的学生，他们对艺术的概念基本上知之甚少，基础处于比较模糊的状态.对于这样的学生，首先从基础入手，循序渐进，先指导他们学习一些辅助知识，比如素描基础知识、设计透视原理等，让他们对三维立体的概念有个初级的了解，有利于后续教学的开展。

（二）有一定的美术教育基础的学生

在他们的教育经历中，已经有过了对初级美术基础的认识与能力的可能会有些美术撰础知识，有可能手绘水平较好、有可能动手能力比较强，但是他们对三维立体的概念还没有上升到一定层次，不能站在理论的高度_!二思考、解决问题。对于这样的同学，从教师的角度说，应该一方面加深这类学生对三维立体概念及理论的认知，另一方面继续加强学生的实践动手能力，也就是说，从理论和实践上双管齐下，这样才能对三维艺术设计的学习更进一步深化，才能在以后的实际工作中运用自如。

三、学生三维感知欠缺导致的教学问题分析

在三维艺术教学过程中，如果学生没有很好的三维立体概念，就会导致后期专业课程的开展无法顺利进行，或者进行后，教学效果不理想的情况.这种情况下，学生的思维还是停留在平面设计及构型阶段，自然不会设计出富有思想及深度的三维造型，更谈不上建筑装饰、景观规划等等实际产品的设计了。

学生的三维立体感不强，教师在教学过程中，展示设计、产品设计、动画设计、装饰设计、环境设计等等方面的设计课程都无法很好的开展，这往往也是教学效果事倍功半的原因所在。在实际教学过程中，往往会存在这样的情况:教师已经讲述到较深层次的知识及理论构型了，而学生对空间位置关系还不是完全明白和掌握。下文中，结合我近些年的艺术设计教学经验，就对学生三维立体概念的具体培养方法，做以下探讨：

四、学生学习过程中三维立体概念的培养方法

在三维艺术教学的实际中，我根据学生自身素质及学习程度的高低，采用由浅入深的方法，循序渐进地把三维立体概念灌输到了专业课程的教学环节中，根据学生的表现情况，收到了良好的教学效果。

（一）让学生学习设计纸手工作品

让学生学习设计纸手工作品是其中的一项训练项目，可以放置在课堂上举行。让学生通过使用比较常见的纸材料，培养其三维立体概念的形成与深化。进行手工训练，可以让学生充分了解纸材料的特性和造型方法.其体可以对纸材料进行折、粘、画、插等方法设计制作立体作品。在这个初级阶段，教师可以先鼓励学生随心所欲、根据自己的意愿进行设计，此过程不涉及过多的理论知识，以免对学生的创造性思维起到反而的引导效果。

（二）让学生学习立体构成理论

立体构成理论的整个立体构成过程是一个分割到组合，或者由组合到分割的过程，它主要研究在三维空间中，按照一定的原则，如何将立体造型要素组合成赋予个性美的立体形态的学科。任何三维模型及形态，可以安排重新排列组合的形式，将其还原到点、线、面，对点、线、面重新组合成任何模型或形态。对学生进行立体构成理论的培养，相信经过一段时间的训练，学生对三维立体概念会有很大的改善和提高。

（三）让学生对泥塑造型艺术进行设计

为了让学生充分感受三维造型的乐趣，可以让学生接触设计泥塑造型，由油泥等材料，制作出各种具有实在体积的形象，此也即“空间艺术”。泥塑可采用方块雕塑泥或者彩色橡皮泥为造型材料，引导学生先进行比较常见的具象人物进行塑造，再由浅入深进行抽象夸张的造型塑造.最后进行创意塑造。通过这种潜移默化的泥塑造型艺术，可对学生的三维立体概念达到意想不到的效果。

（四）鼓励学生进行电脑模型制作

由于实际模型制作具有一定的复杂性，可以鼓励学生采用电脑设计的方法弥补这个缺陷。当然，电脑设计也要遵循一定的法则，并不能天马行空，随心所欲。电脑设计需要遵循的法则包括自然法则及加工工艺法则等等。具体的模型制作也需要忠于材料本身的特征。只有这样，电脑模型才有可能转变成实际的产品，也只有这样，才能从社会需求的层面上对学生的三维艺术创造能力得到真正的提升。

五、结束语

面临现代社会知识经济的挑战，随着教育体制改革的深入，需要培养新时代所需的有创新意识、具有创造力的高索质的创造型人才。作为每一位教育工作者，一定要善于发掘学生们的创新潜能弘扬人的主体精神，以促进学生个性和谐的发展，为民族的振兴和社会的进步奉献我们的力量。

参考文献

[1]降通.设计程序:工业设计流程与方法[M].天津:天津大学出版社,2007

[2]朱敬一.电脑美术设计课程的教学方法探讨[J].泰州职业技术学院学报,2004